La Fondation Venet dans le sud de la France rend hommage à David Tudor et accueille l’œuvre de Carlos Cruz Diez

Bernard Vinette Il a toujours déclaré : « Ce n’est pas de l’art s’il ne change pas l’histoire de l’art. Tout au long de ses 60 ans de carrière, à commencer par sa fondation et son parc de sculptures au Muy dans le sud de la France sur sept hectares de terrain traversé par une rivière – un projet de toute une vie ouvert en 2014 qui réunit ses créations monumentales, minimalistes et conceptuelles. Une collection d’art d’artistes éminents qui l’ont encouragé à ses débuts – jusqu’au célèbre Château de Versailles de 2011 et son chef-d’œuvre de 60 mètres de haut, arc majeurNiché sur une autoroute belge et considéré comme l’œuvre d’art public la plus ancienne au monde, chacun de ses projets est une aventure et un exploit.

Cet été, la Fondation Venet met à l’honneur le compositeur américain de musique expérimentale, David Tudor, avec une exposition qui permet aux visiteurs de découvrir le film queues de mer Créée en collaboration avec l’artiste français Jacques Matisse (petite-fille d’Henri Matisse) et la réalisatrice américaine Molly Davies, elle a été présentée pour la première fois en 1983 au Centre Pompidou à Paris. En tant que pianiste, Tudor était connu pour sa capacité à interpréter des compositions complexes de grands compositeurs tels que John Cage, La Monte Young, Karlheinz Stockhausen, Christian Wolff, Morton Feldman ou Earl Brown. Il a créé la célèbre pièce muette de Cage « 4’33 » à Woodstock, New York, en 1952, et ils ont continué à collaborer plusieurs fois jusqu’à la mort de Cage en 1992. Utilisant le son comme matière première, il a bouleversé l’utilisation traditionnelle des instruments et s’est concentré sur l’improvisation et la musique électronique pour produire des œuvres interdisciplinaires qui combinent la performance, l’art et l’installation. Au début des années 1980, Jackie Mathis, fascinée par les cerfs-volants, a approché ses amis Davis et Tudor, et ensemble ils ont créé une installation qui expérimente l’espace à travers le son, le mouvement, la couleur et la lumière. Les queues de cerf-volant de Jackie Mattis et leur vol sous-marin ont été filmés par Davis, tandis que Tudor a imaginé la bande sonore à partir de bruits enregistrés pendant le tournage tels que crevettes, poissons, coraux, éclaboussures et vent. Les sons et les images se répètent indéfiniment, créant un environnement visuel et acoustique qui joue sur la mémoire et la perception, et s’accompagne d’affichages suspendus des longues queues d’un cerf-volant conçu par Jackie Matisse.

Parallèlement à l’exposition, qui se déroule jusqu’au 30 septembre 2022, le Jardin de sculptures de la Fondation propose une promenade à travers les nombreuses œuvres d’art simples disséminées dans le site exceptionnel, parmi lesquelles des œuvres des artistes Arman et César, Donald Judd, Dan Flavin, Karl Andre, Anish Kapoor , Richard Long, Larry Bell, Tony Cragg, Sol Lewitt, Robert Morris, Richard Deacon, Frank Stella ou James Turrell. Nouveauté cette année, la structure circulaire « Environnement de Transchromie Circulaire » de l’artiste vénézuélien Carlos Cruz-Diez, précédemment présentée au Frieze Sculpture Park de Londres en 2021. Œuvre participative chatoyante, les diapositives transparentes multicolores transforment la réalité extérieure et invitent les spectateurs à redécouvrir leur environnement naturel ou urbain. C’est un voyage unique à travers une « œuvre d’art globale » créée par Venet, artiste collectionneur, au cœur d’une nature luxuriante. A côté se trouve une exposition de ses dernières œuvres dans le bâtiment de l’usine qu’il a réhabilité pendant le livre Bernard Vinnett. Toute une vie pour l’art Par Catherine Franklin Récemment publié chez Gallimard, qui propose une plongée dans les archives de la Fondation Venet et les innombrables lettres que l’artiste a envoyées à sa mère, relatant les développements de sa carrière et ses rencontres avec Marcel Duchamp, Andy Warhol, ou Christo.

Aujourd’hui âgée de 81 ans, Venet ne montre aucun signe de ralentissement et semble imperméable aux influences du temps, sur lesquelles elle n’a aucun pouvoir ni physique ni mental. Avec son sens de la perfection et de la persévérance, c’est un homme qui ne cesse de travailler et de renouveler l’innovation, résolument tourné vers l’avenir. D’un acte monumental à l’autre, ses barres d’acier reconnaissables entre toutes ont envahi le site Lens du Louvre cet automne et cet hiver. Cette reconnaissance finale décrit, « Plus que tout autre musée au monde, le Louvre incarne l’image parfaite de ce paradis, où les plus grands artistes de l’histoire se rencontrent pour toujours. Le Louvre est l’image d’un rêve. Son entrée en est la concrétisation. rêver. » Pesant une tonne chacune, 110 poutres – composées d' »arcs », de « lignes droites » et de « coins » fabriqués dans une fonderie hongroise – jonchent le sol du pavillon de verre de 1 000 mètres carrés du musée, qui semble s’être effondré sur le dessus d’un autre. . Mais loin de tomber au hasard, ils ont été disposés de manière délibérément désorganisée, mais sans contrôle total. Sur la base d’un modèle à l’échelle imaginé en 1994, Venet a montré des versions plus petites de ces « effondrements » à divers endroits au fil des ans, ainsi que 200 tonnes d' »arches » au Muy – son installation la plus massive – mais c’était la première fois qu’elles étaient « Assez grand pour qu’on ne puisse pas le comprendre d’un seul regard et qu’il devienne possible de se déplacer à l’intérieur », note-t-il. En marchant au milieu des poutres, les visiteurs ont été instantanément immergés dans son art et ont pu percer la statue elle-même dans une rencontre très physique avec l’espace.

Intitulée The Gravitational Hypothesis, l’œuvre est une continuation des découvertes de Venese sur le chaos, l’entropie, la gravitation, l’instabilité et l’incertitude, et est au cœur de son travail. « Mon installation au Louvre-Lens peut être considérée comme la vitrine d’œuvres la plus unique que j’ai créée ces dernières années », commente-t-il. « En dispersant un empilement de tiges d’acier dans un tumulte incontrôlable et irréversible, je crée une œuvre qui est une vitrine de ce qui est démesuré, non construit et sans précédent. » Contrairement à ses imposantes sculptures qui s’étendent verticalement dans le ciel, « l’hypothèse de la gravité » est un exercice horizontal, en harmonie avec les longues lignes plates du musée construit par l’agence d’architecture japonaise lauréate du prix Pritzker, Sana’a. Il trouve des échos avec la première représentation de sa carrière où il est jeté à la poubelle et le « tas de charbon » inspiré d’un tas de cailloux mélangés à des goudrons qu’il a vu dans les rues de Nice. La sculpture, sans socle et sans forme définie, est l’un des premiers exemples de non-composition dans ses œuvres. Créée en 1963, elle a été récemment présentée à l’exposition « Bernard Venet, 1961-2021. 60 Years of Performance, Paintings and Sculptures » à la Kunsthalle Berlin dans les hangars de l’ancien aéroport Tempelhof de Berlin. Ayant terminé en mai dernier, plus de 150 de ses œuvres ont été présentées dans sa rétrospective la plus vaste et la plus complète à ce jour.

« J’ai déjà accepté la gravité », se souvient Vinnett. C’était le contraire d’Yves Klein qui se poussait dans l’espace, dans une course utopique quelque peu transcendante. Je croyais que la réalité n’existait pas, la vérité était plutôt dans les forces physiques naturelles. Avec le « tas de charbon », je savais que je pouvais pousser la statue devant moi ou le rendre plus compact ; il y a beaucoup de possibilités. Je peux appeler le marchand de charbon local et lui dire de me prêter 10 tonnes de charbon, puis de le récupérer. Un autre paramètre intéressant est que généralement, lorsque la sculpture est ici, ce n’est pas ailleurs, mais je peux exposer « un tas de charbons » Ici, ainsi qu’à Tokyo, New York, Nice ou n’importe où ailleurs. Il me suffit de demander du charbon dont la taille correspondra à la l’espace qui lui est alloué, puis chaque pile sera une pile de Bernard Vinnett où qu’elle se trouve et elle disparaîtra après cela. Nous sommes dans un concept, dans quelque chose d’éphémère. Donnant un nouveau sens à la sculpture, son travail peut être reconfiguré encore et encore dans le futur et dans plusieurs endroits différents simultanément, garantissant ainsi que son nom reste pour toujours.

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Léonard Lachapelle

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